本屆台北雙年展堪稱最大規模國際展，集結全球72位藝術家與150件作品同台展演，而其中單一面積近乎最大的展出作品，是來自西班牙的藝術家Álvaro Urbano的〈活畫（失竊的太陽）〉。他以顛倒懸浮的天花板結構，招喚橫跨百年的臺北市立美術館館藏，讓藝術品、建築與光影跨越時空對話，僅讓觀眾來看藝術品，還看這個空間展館裡「有什麼戲要演」？   延伸閱讀：北美館「2025台北雙年展」11/1開展！72位藝術家、150件作品，逛展重點一次看  他讓空間「有戲要演」1983年出生西班牙，擁有建築背景的Álvaro Urbano很早便將創作重心轉向空間裝置與敘事藝術，他的拿手好戲是讓把空間「有表演能力」，你會發現Álvaro Urbano所在意的並不是單一物件的力道，而是創造場域中多個物件之間的對話關係。他的作品不是「物件」，而是可以被觀看、被經驗的「情境」，這正是一個空間建構者的敘事魅力。「我喜歡相信藝術作品擁有祕密的生命。當它們安靜地躺在庫房時，彼此交談；在美術館閉館後，互相投以短暫而隱晦的目光。」Álvaro Urbano的作品常被形容為一座「藝術劇場」，以細膩的光影與隱喻，賦予靜止的物件主動權，把空間、建築變成「會演戲」的雕塑，在他自己建構的劇場裡呈現文化生態、講述一段虛構的歷史，甚至以此大膽挑戰展演空間的「官方歷史感」。 翻轉美術館天花板在本屆台北雙年展中，Álvaro Urbano創作了展場中最具規模的裝置之一：大膽翻轉北美館天花板結構，創造出一座彷彿漂浮在空中的舞台。這個舞台匯聚了橫跨百年的館藏作品，一路從1903 年法國雕塑家 Paul Landowski 的作品，到台灣藝術家顏貽成 2003 年的繪畫。透過光影與空間的安排，將這些原本分散在不同時代背景的作品，被重新編排進同一場無聲的「劇場」，燈箱的顏色變化、拍著翅膀的蝴蝶都暗示著時間，像進行著一段又一段的綵排，另長期被收藏，逐漸沈默的作品透過新的展示關係再次被「喚醒」。以想像書寫另一種歷史Álvaro Urbano也經常透過虛構故事來重新連結文化人物，例如在展覽《GRANADA GRANADA》中，他想像了一場從未發生的相遇——墨西哥建築師 Luis Barragán 與西班牙詩人 Federico García Lorca。現實中，兩位主角從未在展覽中現身，取而代之的則是植物與物件的組合——Álvaro Urbano採取Lorca 詩中的植物與 Barragán 花園中的植栽彼此對應，像是一段被暗示出來的浪漫故事。透過這些細膩的安排，Álvaro Urbano創造出介於真實與虛構之間的文化敘事。  起點回到柏林國家美術館回顧創作生涯，Urbano 的最重要轉折點在發表於柏林國家美術館的《Skin and Bones》。他將建築元素轉化為「可穿戴」的服裝，表演者身上穿著象徵建築結構的鋼樑或綠色大理石板在空間中行走與互動。這些角色之間彷彿正在進行一場秘密對話，也使原本靜止的建築彷彿活起來。他說，「藝術不只是被放進空間裡，而是要能夠『棲居』其中」。  延伸閱讀：坂本龍一要來了！2026北美館展覽10大亮點總整理：超現實主義大師、臺北美術獎首獎個展登場  與Álvaro Urbano對談Diana Pfammatter, 2025. Courtesy of the artist.  《Bella》：在本屆台北雙年展中，你是唯一一位直接運用北美館典藏作品進行創作的藝術家，採取這樣創作方式的原因是什麼？ Álvaro Urbano：北美館擁有極為龐大的典藏，接觸 TFAM 典藏的構想源自本屆展策展人Sam Bardaouil與Till Fellrath提出的一項開放性邀請。而這個邀請動機，則來自我先前於紐約 SculptureCenter發表的一件作品，當時我重訪了美國藝術家Scott Burton的創作，特別是他於1986年完成於曼哈頓一棟辦公大樓大廳的公共雕塑〈Atrium Furnishment〉，這件作品在 COVID 疫情期間被拆除，它正式成為一件「正在瓦解中的遺跡」。 正是這段經驗啟發了我——我開始思考，是否能創造一種裝置，替被忽略的作品提供新的閱讀、呈現方式，或賦予它新的生命。這樣的思考最終促成了北美館這件光影雕塑的誕生：一座懸浮於空中的天花板結構，彷彿一個被顛倒過來的舞台。舞台中所涵蓋的作品範圍，橫跨北美館百年的館藏，從法國雕塑家Paul Landowski於1903年創作的《偷橘子的孩子》一路延伸至台灣畫家顏貽成2003年的畫作《自然圖錄（十一）》。 《Bella》：比起單一主體的視角，你更重視物件之間的關係，它們彼此依存，而非各自獨立。是什麼促成了這樣的觀點？ Álvaro Urbano：確實如此。相互依存、連結性與混種狀態，是我創作中非常核心的主題。我不認為任何故事能只從單一視角被完整講述。因此，在每一次展覽中，我都試圖將視角拆分，分散到多個物件、生命體，甚至是觀眾本身之中。這樣的敘事只能透過組裝、層疊與累積來完成。 我想起2023年於Travesía Cuatro 藝廊展出的展覽《GRANADA GRANADA》。當時我虛構了一場發生在兩位名人之間的相遇：墨西哥建築師 Luis Barragán 與西班牙詩人 Federico García Lorca。然而，他們本人並未出現在場景中，只留下了一系列物件與植物的組合。這段曖昧的羅曼史，透過 Lorca 詩作中的植物與 Barragán 花園中的植栽配對，內斂而細膩地，被間接敘述出來。  《Bella》：回顧柏林新國家美術館的展出，為何那個展演對你而言如此重要？ Álvaro Urbano：那是我職涯中一個非常重要的時刻。在那件作品《Skin and Bones》中我複製了這一座國際地標，將建築中的特定元素轉化為「可穿戴」的服裝。表演者們身上穿著美術館內部辨識度極高的綠色大理石板，或構成整座建築結構的巨大鋼樑。這些角色彼此互動，彷彿正在進行一場祕密的對話，也因為這樣，「柏林國家美術館」這座重要建築地標，被「演活」成一個藝術生態中的重要角色。 《Bella》：在構思新作品時，你最想「拆解」或「解構」的核心元素是什麼？是社會層面、物質層面，還是概念本身？ Álvaro Urbano：在我多數作品背後，往往潛藏著一段隱秘的故事、一則流言、一個未被說出口的傳聞。如果說我在「拆解」什麼，那應該是所謂的「官方歷史感」。我總是對那些介於虛構邊緣的資訊、或出乎意料的事實更感興趣——當現實行為得像一部電影或小說時，它反而顯得更加真實。正是這種不穩定、易變的特質吸引著我，而非那種被「刻在石頭上」、靜止而無菌的歷史敘事。 《Bella》：你與藝術家 Petrit Halilaj 為 Audemars Piguet 合作的作品令人印象深刻，儘管多達30件大型雕塑，然而它們卻並未「佔據」教堂空間，反而像是在其中流動，你們如何打造出這樣的「有機體」？ Álvaro Urbano：在威尼斯 Ocean Space 展出的雕塑，本質上被設定為如同真實動物般的存在，暗示著某種移動性。這些混種生物彷彿在空間中游動或翱翔，而不只是單純佔據場地。 我在發展作品時，時常提醒自己的一個創作信念是：創作能夠「棲居」於空間中的藝術品，而非只是被放置其中。這些雕塑以具反射性的金屬製作，能映照並承載空間本身；隨著時間流逝或表演者的使用，它們不斷變形——風景成為肌膚、鱗片或羽毛。此外，教堂中還懸吊著一顆巨大的蛋，從下方仰望時，彷彿月亮一般。為了讓這個意象成立，我們極為細緻地研究了其背後的牆面，包括色彩、細微的色調變化，甚至磚塊中所含的鹽分，讓作品看起來彷彿本來就屬於建築的一部分。  《Bella》：《Tableau Vivant》這個作品名稱耐人尋味，你在進行「Tableau Vivant（活畫）」這個傳統表演名稱的挪用時，是否也在探討當代藝術對「有機性」與「互動性」的迷戀，反映當代社會將自身欲望投射於藝術之中？ Álvaro Urbano：我喜歡相信藝術作品擁有祕密的生命。當它們安靜地躺在庫房時，彼此交談；在美術館閉館後，互相投以短暫而隱晦的目光。以這樣的想像出發，我覺得讓雕塑「假裝自己是活著的」，本身就是一個非常有趣的起點。 支撐我許多創作的核心力量，其實來自於戲劇性——它賦予靜止的事物一種行動的主體性。只要光線條件正確，一切都能成為一場戲劇性的事件。另一個驅動力則是隱喻，透過物件作為象徵，來講述一個故事。「Tableau Vivant（活畫）」這個概念，原本指的是一種表演策略：演出者運用各式道具與裝飾，靜止不動地重現某個歷史場景或時刻，位置、姿態與象徵符號成為敘事的關鍵。參與演出的人成為字面意義上的「活雕塑」，也許我所做的是一個反向的過程——將無生命的物件轉化為彷彿活著的雕塑。 《Bella》：你的作品宛如視覺詩篇，建構出跨越物種、混融自然法則的獨特環境。透過這些空間，你最終想傳達的是什麼？你邀請觀眾觀看的是一種什麼樣的世界觀？ Álvaro Urbano：我將自己的作品視為視覺詩歌——在這些空間中，物種、自然與虛構之間的界線變得滲透而流動，光與聲音等層次彼此交織。我經常創作那些不會在時間中保持固定狀態的展覽：它們可能隨著一天中的不同時刻而改變，或在展期中有元素出現、消失，始終處於持續轉化之中。我喜歡維持一種觀眾與展覽之間的協商關係——在那裡，一切都不完全如其表面所示。這些新的氛圍，某種程度上正如現實世界本身的狀態：脆弱、奇異，且充滿生命。 《Bella》：在你看來，定義未來藝術的「關鍵字」會是什麼？此刻的世界最需要什麼樣的藝術？ Álvaro Urbano：同理心（Empathy）。     Source： Álvaro Urbano Studio、臺北市立美術館  2025南韓最美女演員Top10！宋慧喬、金智媛、秀智、蔡秀彬持續霸榜，Jisoo竟跌出榜外？植物性才安心？春夏溫和「美白精華」7款：品木宣言、倩碧專為敏感肌打造加入Bella儂儂 LINE好友，接收流行時尚新訊。

11月台灣當代藝術展進入高峰期：從北美館年度壓軸大展《台北雙年展》、基隆美術館國際展《WE ARE ME—我（們）到此一遊》、日本瀨戶內藝術家宮島達男在台首展、另展於亞洲大學附屬現代美術館的《眾生共命》、台北當代藝術館的豪華朗機工《宇宙寫生》等，涵蓋繪畫、裝置、數位場域與聲響實驗，到「奇想會」的日系雙人藝術家magma個展等，兼顧各種逛展需求。以下整理本月全台十大展覽包括展期、開放時段、參觀資訊、展覽介紹與推薦，讓你輕鬆規劃週末逛展之旅。 延伸閱讀：新北市美術館值得一訪？挑戰館內最難空間「新美委製」登場！ 01北美館｜第十四屆《台北雙年展》 地平線上的低吟第十四屆台北雙年展以「地平線上的低吟」為主題，講的是台灣集體的渴望與共享未來，由國際策展雙人組Sam Bardaouil、Till Fellrath策劃，匯集超過34座全球不同城市、72位藝術家，總展件達150件包含大量新委託與場域性展作，成為年末台灣最具國際規模的大展。作為年度焦點展，雙年展不僅是藝術生態的橫向掃描，也強調與在地觀眾的互動計畫（導覽、論壇、教育活動等），完整而全面性的內容，建議至少保留半天從一樓、二樓到B2好好逛展。 北美館第十四屆《台北雙年展》日期｜2025/11/01–2026/03/29地點｜臺北市立美術館時間｜09:00–17:30（週一休館）票價｜ NTD.30  延伸閱讀：建築能庇護心靈？新北美術館《建築的恐懼與療癒》16組藝術家登場！ 02台中勤美術館冬季展 《Input > Unknown》勤美術館冬季展《Input > Unknown》由台灣跨域藝術團隊 何理 WHYIXD 策展與創作，攜手德國聲音藝術實驗室 KLING KLANG KLONG、視覺團隊 HOUTH 與藝術家 莊志維，打造沉浸式數位光影體驗。展覽以「光影運算」為主題，靈感取自電腦指令「Input >」，象徵未知的開端。四大展區從啟動、像素力場、氣候感測到群體共創，融合科技、聲音與觀眾互動，觀者以身體作為「輸入」，親身生成多感官的未知世界，以詩意手法探問數位時代的真實感。勤美術館冬季展《Input > Unknown》日期｜2025/11/22–2026/03/01地點｜勤美術館 （台中市西區館前路79號）時間｜10:00–18:00（週一休館） 延伸閱讀：全台特色「私人美術館」推薦6間！隈研吾「勤美術館」必訪，「富貴三義美術館」山林裡的隱世之地 03基隆美術館｜《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》即使發生藝術品毀損意外，基隆美術館年度國際大展《WE ARE ME—我（們）到此一遊》仍值得一訪！由虛擬角色法咪咪（FAMEME）擔任策展橋梁，邀請英國、法國、日本、泰國與臺灣等十位當代藝術家，展出28組作品。展覽繞著「存在／共感」的當代命題、拍照打卡的文化儀式展開，橫跨時間與媒介的作品陳列，由策展團隊設計多場導覽與公眾活動，意在促成觀者對自我與群體觀看機制的省思。 《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》日期｜2025/10/30–2026/02/01地點｜基隆美術館時間｜09:00–17:00（週一休館）票價｜免費參觀 04台北當代藝術館 ｜豪華朗機工 《宇宙寫生》台灣知名藝術團體「豪華朗機工」以《宇宙寫生》為題，藉由對過去14件舊作的重新演繹，揭示創作脈絡的演進，並以全新第15件全新作描繪出「宇宙」主題。展覽透過新媒材與協作，呈現團體作為15年創作經驗的沉澱與反思，既有懷舊情感也有對當代媒體技術的實驗。展場以中型美術館或當代藝文空間布展，觀展時可關注作品的材質變異與群體互動設計。豪華朗機工《宇宙寫生》日期｜2025/10/04 − 2026/1/11地點｜台北當代藝術館MOCA Taipei 時間｜10:00–18:00（週一休館）票價｜NTD.100 05 亞洲大學附屬現代美術館  宮島達男《眾生共命》專注探討數字、光、生命循環的日本概念大師級藝術家宮島達男，繼Tao Art 展出《無盡的生命循環》，同時也在亞洲大學附屬現代美術館展開《眾生共命》個展，不同於Tao Art，亞美館透過空間優勢，將宮島達男作品與建築完美融合，並加入共創作品與在地參與計畫，包含互動裝置、影像與現場活動，是匯集宮島自1993年至2025年的經典之作與新作同步發表，亦適合學術與公共對話的延伸。 宮島達男《眾生共命》日期｜2025/11/08–2026/05/10時間｜09:30–17:00（週一休館）地點｜亞洲大學附屬現代美術館（臺中市霧峰區柳豐路500號）票價｜NTD. 250  06南美館｜《皮膚と内臓：自己、世界、時間》台南市美術館這檔《皮膚と内臓：自己、世界、時間》由日本策展人 秋元雄史 操刀，找來十位日本當代女性藝術家，用「皮膚」和「內臟」當起點，帶觀眾從身體感受出發，去想自己、世界和時間之間那些微妙又奇妙的關係。展視覺那一抹鮮紅來自山下茜里的〈超越肌膚 No.0〉局部畫面，視覺衝擊十足。媒材以手工藝、當代裝置、影像混搭，策展也巧妙引用《葬送的芙莉蓮》作隱喻，挑起對「存在」與「連結」的反思。  南美館｜《皮膚と内臓：自己、世界、時間》日期：2025.10.03  -  2026.01.18 時間： 10:00-18:00（週一休館，若適逢國定例假日，照常開放)地點：臺南美術館 2 館 1 樓展覽室 A-D（台南市中西區忠義路二段 1 號）票價｜全票 NTD. 200 07 TKG+ ｜陳敬元個展《Drawing Fold》操刀11月初落幕的白晝之夜多款主視覺，陳敬元以繪畫的筆觸與線條刻畫介於記憶與當下的曖昧感，本次《Drawing Fold》以「drawing」與「fold」兩義切入，建構個展主軸，透過層疊的視覺處理與色感論述個人敘事與集體記憶的張力。展場安排注重繪畫的現場感與觀者近距離的視覺接觸，並藉由版面構成使得觀眾在「看」與「被看」之間流轉，在繪畫的摺疊處尋找曖昧蹤跡。 陳敬元個展《Drawing Fold》日期｜2025/10/30–2026/01/31地點｜TKG+ Projects（臺北市內湖區瑞光路548巷15號）時間｜11:00-19:00 （週日、一休館） 08 尊彩藝術中心｜劉星佑個展 《纏耽？還愚？》 集農業、生態、性別議題、社會記憶於一身的跨媒材藝術家劉星佑，擅長透過影像作品進行社會參與，本次個展《纏耽？還愚？》延續其攝影與裝置的混合語彙，透過地域化的影像紀錄、參與式場域與物件呈現，探問記憶、身份與日常生活的交織。展覽同時聯結歷年獲獎經歷與國際參展經驗，既能關照在地，也能引發跨場域對話，若你關注社會議題絕對會有共鳴。 劉星佑個展《纏耽？還愚？》日期｜2025/11/01–2025/11/30地點｜尊彩藝術中心（臺北市內湖區瑞光路366號）時間｜ 11:00–18:00（週一休館）票價｜免費參觀  09 奇想會 | 日本藝術家magma 個展 《Mixed Foods》日本藝術家二人組 magma（杉山純與宮澤謙一）以「食物」重構日常，將回收物、樹脂與電動零件等異質材料重新拼構，色彩奔放、組裝的手法俏皮，讓日常物件與角色以新的姿態現身——它們既具大眾親近感，也在視線停留的瞬間，是作為一種寓言式的介面：它關乎社會不平等與分裂、氣候危機對農漁產的衝擊，也映照出大規模消費體制下的食物浪費與生產過剩。展覽以類比色彩與幽默重組，既童趣又有點瘋狂。  日本藝術家magma 個展《Mixed Foods》日期｜2025/10/17–2025/11/23地點｜奇想會Whimsy Works Gallery（臺北市大安區安和路一段21巷7號）時間｜13:00–19:00（週二、週三公休） 10 草率季2025 Taipei Art Book Fair最潮書展「草率季 2025」以主題「無限柔軟 Soft POW」登場，將「柔軟」視為創作與文化的力量，而非退讓的象徵。展會集結超過 30 國、400 組獨立出版與藝術團隊，融合書展、藝術展演與市集形式，展現跨界創意。主視覺由 3D 藝術家 Sid & Geri 設計，以虛實交錯的造型呈現創作者自由不屈的精神。現場除書刊外，還有工作坊、講座與現場製作活動，觀眾可親身參與創作過程。展會特別推薦首日入場，搶先體驗限量出版與現場限定周邊。 2025草率季 日期｜2025/11/21（五）– 2025/11/23（日） 地點｜華山 1914 文化創意產業園區 ／ 東 2 四連棟（台北市中正區八德路一段 1 號）票價｜預售票 NTD 380；現場票 NTD 400；快速通關票 NTD 499。優待票NTD.250 起  Source：各展館     2025南韓最美女演員Top10！宋慧喬、金智媛、秀智、蔡秀彬持續霸榜，Jisoo竟跌出榜外？植物性才安心？春夏溫和「美白精華」7款：品木宣言、倩碧專為敏感肌打造加入Bella儂儂 LINE好友，接收流行時尚新訊。

兩年一度的「台北雙年展」（Taipei Biennial 2025）又要來了，今年2025 第 14 屆主題定為「 Whispers on the Horizon」（地平線上的低吟），將於 2025 年 11 月 1 日至 2026 年 3 月 29 日 在 臺北市立美術館隆重登場！ 延伸閱讀：九月全台必看展覽：奈良美智、莫內《睡蓮》、埃利亞松進入倒數階段 什麼是台北雙年展？圖為2010年北美館台北雙年展（Taipei Biennial）主視覺。Source：北美館官網台北雙年展（Taipei Biennial）是由臺北市立美術館主辦的國際當代藝術展覽，自 1998 年正式以「雙年展」型態舉辦，亦是當代藝術的年度焦點。作為北美館年度壓軸大展，是最國際化、異質性最大、跨度也最廣的一檔展覽。除了展出作品外，徹底爬梳策展蓋念、講究藝術實踐，也碰觸歷史記憶、美術館角色等議題，持續促進臺灣與國際藝術界對話。2020台北雙年展以「你我不住在同一星球上」為題，由法國學者布魯諾．拉圖(Bruno Latour）與馬汀．圭納（Martin Guinard）共同策展，並由林怡華擔任公眾計畫策展人，邀請橫跨政治學、社會學、地理學、海洋科學、相關人文歷史研究的學者。Source：北美館官網雙年展邀請國內外藝術家參與，包括全新委託創作，以及現地製作兩種類型，讓藝術與展覽空間互動、與在地文化共鳴，共同面對全球化、後殖民、歷史創傷等”共業”，藉由藝術去觀照失落、尋找歸屬，探索未來可能性。對於藝術愛好者與一般大眾來說，絕對都會是一場精彩的腦力激盪與思想層級上的探索。 延伸閱讀：世大運聖火團隊「豪華朗機工」15週年最強回歸！全新個展10/4當代藝術館登場！ 2025 台北雙年展主題  2025台北雙年展主視覺。設計：EPS51。圖像由臺北市立美術館提供。 2025 年度台北雙年展的主題「Whispers on the Horizon」（地平線上的低吟）是否令你難以想像？這個主題來自策展人雙人組——漢堡車站國家當代藝術美術館雙館長 Sam Bardaouil 與 Till Fellrath，共邀集來自 35 個城市、54 位藝術家進行策展。地平線上的低吟，聚焦一種稱之為「思慕」的情感概念，引導觀眾思考：情感不只是個人的，而是跨越時間、空間與文化的集體經驗——強調臺灣層疊錯綜的歷史—殖民、政權更迭、身份認同的變動——並以此作為「思慕」生長的土壤。  在 Instagram 查看這則貼文 Burger Collection（@burger_collection）分享的貼文 2025台北雙年展策展人 Sam Bardaouil（左） 與 Till Fellrath（右）策展人 Sam Bardaouil 山姆．巴塔維爾、 Till Fellrath提爾法爾拉特是誰？他們自2022年起擔任柏林漢堡車站國家當代藝術美術館館長，透過跨領域平台Art Reoriented與全球70多家博物館合作，並共同策劃了2022年第16屆里昂雙年展《脆弱宣言》及威尼斯雙年展法國館。他們也曾策劃黎巴嫩館、阿聯酋館等展覽，並擔任柏林應用藝術展覽館的客座策展人。他們著重於藝術與機構實踐的包容性，並以修正的藝術史觀點推動，與巴黎龐畢度中心Centre Georges-Pompidou、Städel Museum法蘭克福杜塞道夫藝術館、英國泰德利物浦Tate Liverpool等世界一級美術館機構都有合作。 延伸閱讀：睽違10年！紅點設計獎展重返台灣，177 件獲獎作品松菸登場 2025 台北雙年展重點藝術家與作品邱子晏，《偽飛行場》（錄像截圖），2025。圖像由藝術家提供。來自臺灣苗栗與雲林的藝術家邱子晏在作品 《偽飛行場Fake Airfield》 中重建一座殖民時期的誘敵機場，以手工製造的零式戰鬥機、錄像敘事與歷史虛構元素交織，探索臺灣身份與客家文化的傳承與扭曲。寇拉克里・阿讓諾度才，《愛在死亡之後》（錄像截圖），2025。圖像由藝術家提供。另一件引人注目的是泰國/紐約藝術家寇拉克裡・阿讓諾度才（Korakrit Arunanondchai）的 《愛在死亡之後》將回憶與神話融合成幽靈般的儀式：據聞能傳達逝者意念的靈體和猴子在透明投影幕上閃爍現形，探問悲痛如何將灰燼化鍊為黃金。​阿瓦羅・烏爾巴諾，《活畫》（裝置一隅），2024-25，紐約 Sculpture Center展覽現場。圖像由藝術家及紐約 SculptureCenter，ChertLüdde （柏林），Travesia Cuatro（馬德里、墨西哥城、瓜達拉哈拉）提供。攝影：Charles Benton。阿瓦羅・烏爾巴諾（Álvaro Urbano，生於1983年，現居柏林及巴黎）的 《活畫（失竊的太陽）》 呈現一個無聲劇場，物件在變幻的光影中如同幽靈般浮現，與北美館的館藏作品交織，模糊美術館與舞臺、歷史與角色扮演之間的界限。 法特瑪・阿布杜哈迪，《留下的⋯⋯盡可能長存》，2025。絹印於透明網布、不鏽鋼懸吊結構、九層塔植栽，共18幅，每幅 400 x 90 公分。圖像由藝術家提供。法特瑪·阿布杜哈迪（Fatma Abdulhadi，生於1988年，現居利雅德）的作品 《留下的……盡可能長存》 中，以九層塔植栽與絹印網布構築芬芳花園，保存那些逐漸消逝的關懷與追憶儀式，讓氣味與寂靜化為歸屬的容器。        2025台北雙年展參展藝術家：完整名單 參展藝術家（按英文姓氏首字母排序）法特瑪・阿布杜哈迪 （1988年生於利雅德，現居工作於利雅德）阿夫拉・阿達希里（1988年生於阿布達比，現居工作於阿布達比）穆罕默德・阿法拉傑（1993年生於阿哈薩，現居工作於阿哈薩）寇拉克里・阿讓諾度才（1986年生於曼谷，現居工作於紐約及曼谷）伊凡娜・巴希奇（1986年生於貝爾格勒，現居工作於紐約）拉納・貝古姆（1977年生於錫爾赫特，現居工作於倫敦）莫尼亞・班・哈穆達（1991年生於米蘭，現居工作於開羅安及米蘭）雅各波・貝納西（1970年生於拉斯佩齊亞，現居工作於拉斯佩齊亞） 赫拉・比于塔詹，《摧毀你家，造一艘船，拯救生命》，2015。地毯印刷，尺寸依空間而定。圖像由藝術家及Green Art Gallery Dubai and EVA International – Ireland’s Biennial 提供。攝影：Miriam O’Connor。 赫拉・比于塔詹（1984年生於伊斯坦堡，現居工作於伊斯坦堡）艾德加・卡萊爾（1987年生於聖胡安科馬拉帕奇索特，現居工作於聖胡安科馬拉帕奇索特）張彩如（1990 年生於波索斯・迪・卡爾達斯，現居工作於聖保羅）陳澄波（1895出生於嘉義，1947年逝於嘉義）陳植棋（1906生於臺北汐止，1931年逝於臺北汐止，現新北市）陳進（1907生於新竹，1998年逝於臺北）    陳柏豪（1982年生於高雄，現居工作於鹿特丹）致穎（1985年生於臺北，現居工作於臺北及柏林）加埃爾・肖瓦內（1985年生於瑟堡，現居工作於富熱爾及巴黎）莊偉（1990年生於廣東，現居工作於柏林及香港）邱子晏（1985年生於苗栗三義，現居工作於苗栗及雲林）傑基・康諾利（1990年生於紐約下哈德遜河谷，現居工作於紐約阿森斯） 托比亞斯・茲耶羅尼，《閃耀》，2017。噴墨印刷，84 x 56 公分，共 6 版+ 2 AP版。圖像由藝術家及 KOW Berlin 提供。 羅希尼・德瓦夏爾（1978年生於新德里，現居工作於新德里）西蒙・迪布羅・莫勒（1976年生於奧胡斯，現居工作於哥本哈根）莫娜・哈透姆（1952年生於貝魯特，現居工作於倫敦）賀子珂（1990年生於貴陽，現居工作於北京及貴陽）何彥諺（1993年生於臺北，現居工作於臺北）安娜・葉爾莫萊娃（1970年生於列寧格勒，現居工作於維也納及林茲）伊娃・喬瑟邦（1975年生於巴黎，現居工作於巴黎）金玟廷（1962年生於光州，現居工作於紐約及南法地區）雅浸・金朝恩（1989年生於韓國，現居工作於紐約）麗娜．拉蓓利代（1984年生於考納斯，現居工作於倫敦及維爾紐斯）歐馬爾・米斯馬爾（1986年生於塔納耶，現居工作於貝魯特）倪灝（1989年生於新竹，現居工作於新竹）亨里克・奧利維拉（1973年生於聖保羅，現居工作於倫敦）邦尼・羅傑斯（1990年生於休士頓，現居工作於紐約皇后區）澤拓（1977年生於石川縣，現居工作於倫敦及金澤）西爾維・塞利格（1941年生於尼斯，現居工作於巴黎）傑瑞米・蕭（1977年生於北溫哥華，現居工作於柏林）皮・斯塔夫（1987年生於伯格諾里吉斯，現居工作於洛杉磯及倫敦）卓永俊，《愛你潔淨雙腳的週四》，2023，首爾Atelier Hermès展覽現場。圖像由藝術家提供。攝影：Sangtae Kim, Fondation d’entreprise Hermès。卓永俊（1989年生於首爾，現居工作於柏林）高田冬彦（1987年生於廣島縣，現居工作於千葉）蕭崇（1987年生於海陽，現居工作於柏林）基里亞科斯・托波利迪斯，《書寫日記》，2024。壓克力顏料、油彩、照片轉印於畫布，150 x 170 公分（含框153.3 x 173.3 x 4 公分）。圖像由藝術家及Galerie Judin, Berlin提供。攝影：Trevor Good。 基里亞科斯・托波利迪斯（1997年生於埃森，現居工作於柏林）阿瓦羅・烏爾巴諾（1983年生於馬德里，現居工作於柏林及巴黎）王湘靈（1984年生於臺北，現居工作於臺北）王耀億（1987年生於臺南，現居工作於臺北）納里・沃德（1963年生於聖安德魯，現居工作於紐約）吳家昀（1988年生於宜蘭，現居工作於紐約）李受俓（1963年生於首爾，現居工作於首爾）橫溝靜（1966年生於東京，現居工作於倫敦）于吉（1985年生於上海，現居工作於紐約及上海）張如怡（1985年生於上海，現居工作於上海）托比亞斯・茲耶羅尼（1973年生於烏帕塔，現居工作於柏林） 展覽資訊：日期、時間、地點  「第 14 屆台北雙年展：地平線上的低吟」地點｜臺北市立美術館（臺北市中山區中山北路三段 181 號）時間｜2025 .11.1- 2026.3.29    Source：北美館     2025南韓最美女演員Top10！宋慧喬、金智媛、秀智、蔡秀彬持續霸榜，Jisoo竟跌出榜外？植物性才安心？春夏溫和「美白精華」7款：品木宣言、倩碧專為敏感肌打造加入Bella儂儂 LINE好友，接收流行時尚新訊。